In den Museen für zeitgenössische Kunst, in denen die Avantgarde zu Hause sein soll, wird gute Malerei heute ignoriert; dennoch die größte Revolution in der Kunst von einigen Malern ausging.
Ja, mit Formen und Farben, die man geschickt auf einer Fläche verteilt, kann man eine Revolution auslösen. Doch in unserer von selbsternannten Erfindern überfüllten Zeit vernachlässigen die zeitgenössischen Kunstmuseen die qualitative Malerei.
Ich glaube, das liegt vor allem daran, dass viele der heutigen “Insider” den Wandel, der mit dem Werk von Paul Cézanne begann, fünfzig Jahre später von Piet Mondrian zu einem ersten großen Abschluss gebracht wurde und bis heute anhält, noch immer nicht wirklich verstehen. Über Mondrian sprechen sie noch von “Formalismus”, weil sie nicht zugeben wollen, dass das wahre Wesen der Malerei im ausgewogenen Verhältnis von Formen und Farben liegt.
Die Revolution, von der wir hier sprechen, ist einen Prozess gewesen, der darauf abzielt, einen plastischen Raum zu schaffen, durch den man die Welt auf eine neue Weise sehen kann. Je tiefgreifender der Wandel ist, desto länger wird es dauern, bis er in seiner ganzen Bedeutung verstanden wird. Ein neuer Raum, der in der Lage ist, die äußere und die innere Realität in ihrer dynamischen und untrennbaren Beziehung darzustellen. Eine kopernikanische Revolution im Vergleich zur Kunst, die sich bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts auf die Formen der äußeren Welt konzentrierte, d.h. auf die so genannte realistische oder figurative Sichtweise, d.h. nur auf den Teil der Realität, den wir Menschen wahrnehmen können.
“Die Wirklichkeit ist nicht so, wie sie uns erscheint”, erklärt der Wissenschaftler und Wissenschaftsphilosoph Carlo Rovelli in seinem gleichnamigen Buch.
Was wir Realität nennen, ist nur ein Teil der wirklichen Welt. Unsere Sinne erfassen nicht die Realität des Mikrokosmos, der alles, was wir sehen, hervorbringt und dessen Substanz es ist. Paul Klee hat in seinen Schriften gesagt, dass “die Kunst das Unsichtbare sichtbar macht”.
Indem die Malerei vom Schein abstrahiert, d. h. von einer Teilwirklichkeit, kann sie das Sichtbare und Unsichtbare auf ihre eigene Weise, d. h. in einer wahreren Wirklichkeit, hervorrufen. Die Abstraktion, wenn sie nicht nur eine bequeme Abkürzung ist, gibt der Malerei einen universellen Blick zurück. Daher ist es verständlich, dass sie nicht den bequemen Strategien der leichten Unterhaltung entsprechen kann, die von so vielen zeitgenössischen Kunstmuseen verfolgt werden.
Selbst die Unterscheidung zwischen Fülle und Leere macht keinen Sinn mehr, da die “Leere” lediglich eine andere Konzentration derselben Energie ist, die die “Fülle” erzeugt. Es ist ziemlich naiv, eine Malerei, die den Schein nachahmt, als realistisch zu bezeichnen und diejenige als unverständlich zu brandmarken, die durch die Erweiterung des Blicks auch den Teil der Wirklichkeit evoziert, der uns nicht direkt zugänglich ist.
“Der Zweck der Kunst besteht nicht darin, die äußeren Erscheinungen der Dinge darzustellen, sondern ihren inneren Sinn”. (Aristoteles)
Wie können wir gleichzeitig die äußere Welt und die innere Welt, den Makro- und den Mikrokosmos, die “Fülle” und die “Leere” darstellen, wenn nicht durch Abstraktion von der äußeren Erscheinung der Dinge?
“Was die Details betrifft, so braucht sich der Maler nicht mehr darum zu kümmern. Es gibt die Fotografie, die die Vielzahl der Details hundertmal besser und schneller wiedergibt.” (Henri Matisse)
Der “Abstraktismus”, wie manche sagen, ist keiner der “Ismen” (Impressionismus, Expressionismus, Kubismus, Surrealismus…), die Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts aufblühten. Die abstrakte Vision der Realität vereint alle diese “Ismen”, indem sie der Malerei einen allumfassenden Blick verleiht.
Die abstrakte Malerei ist ein wirksames Instrument für den Dialog mit der komplexen Realität von heute.
Die Realität wird nicht mehr als statische Darstellung einiger weniger Dinge verstanden, sondern als ein Raum, der sich zwischen uns und allen Dingen entwickelt, d. h. als eine dynamische und unvorhersehbare Interaktion zwischen Subjekt und Objekt.
Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts basierte die Malerei auf der im frühen 15. Jahrhundert entwickelten perspektivischen Sichtweise. Der Fluchtpunkt des perspektivischen Raums, auf den die gesamte sichtbare Welt idealerweise zuläuft, ist die Projektion des festen Standpunkts, von dem aus der Mensch eine tendenziell statische Welt beschrieb, auf die gemalte Fläche. Damals bewegte man sich mit dem Tempo des Menschen, und bei dieser Geschwindigkeit erscheint die Welt fast unbeweglich. Die Gesellschaften veränderten sich auch in sozialer, wirtschaftlicher und politischer Hinsicht viel langsamer als heute.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts sorgten elektrisches Licht und neue Verkehrsmittel für eine Beschleunigung, wie sie der Mensch noch nie erlebt hatte. Durch die zunehmende Geschwindigkeit änderte sich die Beziehung zwischen dem Betrachter und der beobachteten Szene ständig; eine Landschaft, ein Gebäude oder ein Baum erschienen in einer raschen Abfolge von verschiedenen Blickwinkeln.
Albert Einstein behauptete 1905, dass Raum und Zeit untrennbar miteinander verbunden sind, und in den frühen kubistischen Werken von Braque und Picasso nimmt ein Gegenstand alle Formen an, die auf der Leinwand erscheinen, wenn man ihn aus einer bewegten Position, d. h. über einen bestimmten Zeitraum hinweg, betrachtet. Diese seltsamen Gesichter mit drei, vier Augen und die eine Flasche, die sich unter dem Blick des Betrachters, der um sie herumgeht, zu vervielfältigen scheint.
Im Gegensatz zum perspektivischen Raum (vulgär figurativ genannt) betrachtet der kubistische Raum die sichtbare Welt in ihrem Werden und nicht in ihrer statischen Beständigkeit. Für Mondrian war der Kubismus vor allem eine Möglichkeit, sich auf die innere Struktur der Dinge zu konzentrieren und eine Art gemeinsamen Nenner zwischen den unterschiedlichsten Dingen zu finden. “Die Kunst muss das Universelle ausdrücken”, sagte der niederländische Maler.
Einige Jahre zuvor hatten die impressionistischen Maler das Licht hervorgehoben, das die Erscheinung der Dinge verändert, und damit zum Ausdruck gebracht, dass man die Wirklichkeit niemals dauerhaft fixieren kann. Gleichzeitig betonten die Maler des Expressionismus durch die Akzentuierung und den freien Gebrauch der Farben die innere Welt, d. h. wie jeder von uns die Dinge sieht. Es ist kein Zufall, dass sich in diesen Jahren die Psychoanalyse zu entwickeln begann.
Von diesen Prämissen ausgehend begann in der Geschichte der westlichen Kunst und Kultur eine der radikalsten Umgestaltungen des plastischen Raums. Aus dem Kubismus entwickelte sich der Neoplastizismus Mondrians, der nach fünfzig Jahren Arbeit einen völlig neuen Raum fand, der die erste substanzielle Alternative zu dem von den Malern des Impressionismus, des Expressionismus und des Kubismus in die Krise geratenen perspektivischen Raum darstellte; einen Raum, der in der Lage war, die weitaus komplexere und dynamischere Realität von heute darzustellen. Ein Raum, dessen ungeheure innovative Tragweite noch nicht richtig verstanden wird.
Für diejenigen, die mehr über Piet Mondrian erfahren möchten.
Was bleibt heute nach dieser Revolution?
Meiner Meinung nach bleibt heute mehr denn je das Bedürfnis, Gleichgewicht, Harmonie und Schönheit zu schaffen.
“Für mich muss ein Gemälde etwas Liebenswertes, Fröhliches und Schönes sein, ja, schön. Es gibt schon genug langweilige Dinge im Leben, ohne noch mehr davon zu machen.” (Auguste Renoir)
“Ich will eine Kunst des Gleichgewichts, der Reinheit, die weder stört noch aufregt; ich will, dass der müde, erschöpfte, erschöpfte Mensch vor meinem Bild Ruhe und Erholung genießt” (Henri Matisse)
Für viele angehende Künstler von heute sind Schönheit, Harmonie und Gleichgewicht keine Werte, für die es sich zu arbeiten lohnt.
Mir scheint, dass das Streben nach Harmonie die schönste aller menschlichen Leidenschaften ist” (Le Corbusier)
Warum sind wir heute so weit vom Geist der Meister entfernt? Vielleicht weil es, anders als es scheint, nicht so einfach ist, Gleichgewicht, Harmonie und Schönheit zu schaffen. Man denke nur an die Fabel vom Fuchs und den Weintrauben.
Wir können nicht erklären, warum bestimmte Form- und Farbbeziehungen in uns ein Gefühl der Harmonie hervorrufen und warum die Harmonie noch glaubwürdiger ist, wenn sie innerhalb derselben Komposition kontrastiert wird. Heraklit sagte, dass die größte Harmonie durch einen Kontrast zwischen Gegensätzen entsteht. Die große Malerei hat diese Bedingung immer erfüllt, von Giotto bis Piero della Francesca, von Raffaello bis Caravaggio, von Poussin über Cézanne bis Mondrian.
Nichts in der realen Welt ist an und für sich gegeben; alles erhält seinen Wert und seine Bedeutung durch die Beziehung zwischen verschiedenen und entgegengesetzten Dingen. Es ist jedoch keine leichte Aufgabe, aus dem Kontrast zwischen den unterschiedlichsten Dingen Gleichgewicht, Harmonie und dynamische Einheit zu schaffen.
Es bleibt die Notwendigkeit, von einzelnen Zufälligkeiten zu abstrahieren, um einen Gesamtüberblick zu gewinnen.
Es gibt einen gemeinsamen Entwurf für alle Dinge, Pflanzen, Bäume, Tiere, Menschen, und mit diesem Entwurf muss man im Einklang sein.” (Henri Matisse)
Zu der großen Vielfalt an natürlichen Formen kommen noch die künstlichen hinzu, die sich heute in unseren städtischen Räumen, unseren Häusern und unserem geistigen Raum drängen. Eine israelische Studie, die in Nature veröffentlicht wurde, hat ergeben, dass bis 2020 das Gewicht der künstlichen Artefakte das der Lebewesen übersteigt. Mit acht Milliarden Tonnen übertrifft Plastik das Gewicht von Tieren, das bei vier liegt. Wenn wir über die Umwelt sprechen, beziehen wir uns heute mehr auf Kunstgegenstände als auf die Natur.
Sogar die Kunst ist in Wirklichkeit ein Kunstwerk. Ein von sensiblen Köpfen geschaffenes Kunstwerk, das dazu einlädt, Gleichgewicht und Harmonie mit der Natur und sich selbst zu finden. Worte sind kein Leben, aber Dichter verstehen es, sie frischer und lebendiger zu machen als einen Bach. Die sieben Töne der Musik sind für sich genommen bedeutungslose Klänge, die jedoch in einer bestimmten Kombination beredter sein können als ein klarer Sonnentag. Man kann dem Leben auch mit Linien und Farben huldigen.
Malen bedeutet, die Welt zu beobachten, sich an ihren Farben zu berauschen und ihre unendliche Vielfalt in die synthetischsten Formen des Denkens zu verwandeln. Das bedeutet Abstraktion. Auch die Gemälde der Vergangenheit sind Abstraktionen, mit dem Unterschied, dass wir uns längst an diesen Grad der Abstraktion gewöhnt haben und deshalb Bilder, in denen Engel am Himmel fliegen und ein alter Mann einer Versammlung von auf Wolken sitzenden Männern vorsteht, als realistisch und verständlich bezeichnen. Viele Menschen meinen, ein Bild zu verstehen, nur weil sie darin Dinge wiedererkennen, die sie schon einmal gesehen haben, aber das ist nicht dasselbe wie die Kunst des Malens zu verstehen.
“Malen heißt nicht, den Gegenstand sklavisch zu kopieren, sondern die Harmonie zwischen zahlreichen Beziehungen zu erfassen und sie in ein eigenes System zu übertragen, indem man sie nach einer neuen und originellen Logik entwickelt.” (Paul Cézanne)
“Der Malernovize glaubt, dass er aus dem Herzen heraus malt. Der Künstler am Ende seiner Entwicklung glaubt auch, dass er mit dem Herzen malt. Aber nur der letztere hat Recht, weil die Ausbildung und die Disziplin, die er sich auferlegt hat, ihm erlauben, die Impulse zu akzeptieren.” (Henri Matisse)
“Die künstlerische Technik hat mit Sprache und Logik zu tun. Eine Intelligenz mit großer Organisationsfähigkeit ist die wertvollste Mitarbeiterin der Sensibilität bei der Verwirklichung des Kunstwerks.” (Paul Cézanne)
Harmonie, Beziehungen, Logik, Disziplin – so sprachen die echten Revolutionäre der bildenden Künste. Ich denke an all jene, die ihre Unfähigkeit hinter oberflächlichen Slogans wie “in der Kunst gibt es keine Regeln” verstecken. In der Kunst, wie auch im Leben, ist Freiheit nicht die Abwesenheit von Regeln, wie einige schwache Geister glauben. Frei zu sein, sagte Immanuel Kant, bedeutet, Regeln wählen zu können, die dennoch notwendig sind. “Ich liebe die Regel, die das Gefühl korrigiert”, sagte George Braque. Von Regeln und Logik sprechen wahre Erfinder, in deren Gegenwart bestimmte übermäßig gefeierte Künstler unserer Tage klein werden.
Man vermutet, dass die Verachtung von Regeln und Disziplin eine Form der heimlichen Verteidigung des Unfähigen ist, auch weil Zerstören viel einfacher ist als Bauen. Kein Wunder also, dass die Werke einiger Meister des frühen 20. Jahrhunderts immer noch gültige und unübertroffene Bezugspunkte für diejenigen darstellen, die die Substanz der Dinge bevorzugen.
Dies gilt nicht nur für die Qualität ihrer Werke, sondern auch für den Umfang der Gedanken, die sie in Form von Schriften entwickelt haben. Gedanken, die sich nicht nur mit spezifischen Aspekten ihrer Arbeit befassen, sondern auch von ihrem ideellen, ethischen und sozialen Engagement in dem historischen Kontext zeugen, in dem sie lebten. Reflexionen universeller Art über die condition humaine. Versuchen Sie, etwas Ähnliches im Schaffen so vieler Stars des zeitgenössischen Kunstfirmaments zu finden.
Noch einmal Cézanne: “Alles in der Natur ist nach dem Vorbild der Kugel, des Kegels und des Zylinders gestaltet. Man muss lernen, mit diesen einfachen Figuren zu malen. Danach kann man alles machen, was man will.”
Dieser Satz ist der Beginn des Prozesses, der den Weg zur abstrakten Darstellung der Wirklichkeit ebnete.
Guillaume Apollinaire interviewte Matisse: “Die Beredsamkeit Ihrer Werke entsteht vor allem durch die Kombination von Farben und Linien. Dies und nicht die einfache Wiedergabe des Gegenstands (wie gewisse oberflächliche Intelligenzen immer noch glauben), macht die Kunst des Malers aus.”
Was nach dieser Revolution bleibt, ist die Essenz der Malerei, d.h. die Beziehungen zwischen Farben, Formen und Proportionen, die das Auge erfreuen und die Substanz hervorrufen können.
“Die Beurteilung der Kunst durch die Kritiker erfolgt nach literarischen Konventionen und nicht nach ästhetischen Kriterien. Und stellen Sie sich vor, sie wüssten, dass die Kombination eines Grüntons mit einem Rot einen Mund traurig macht oder eine Wange zum Lächeln bringt.” (Paul Cézanne)
Es tut mir leid für die Professoren, die daran gewöhnt sind, die Bedeutung eines Gemäldes in dem Lebenslauf des Künstlers und in seinen Briefen zu suchen, aber die wahre Substanz der Malerei liegt in den Beziehungen zwischen Form und Farbe, oder besser gesagt, in den Beziehungen zwischen Form-Farbe, wobei die Form eine gewisse Erweiterung der Farbe ist. Die Malerei ist in erster Linie Form-Farbe, die durch geschickte Augen und Hände zum Inhalt werden kann. Dies gilt umso mehr für die abstrakte Malerei. Es gibt viel selbsternannte abstrakte Malerei, die nicht abstrakt ist, weil sie nicht das Ergebnis eines echten Prozesses der Introspektion und des Ausdrucks, der aufrichtigen Analyse und der geschickten Synthese ist.
Henri Matisse über ein Gemälde von Cézanne: “Um die Einfachheit dieser Baigneuses zu erreichen, die man am Rande des Jardin sieht, braucht man viel Analyse, viel Erfindung und viel Liebe. Man muss sich ihrer würdig erweisen, sie verdienen. Ich habe einmal gesagt: “Wenn die Synthese unmittelbar ist, ist sie schematisch, ohne Dichte, und der Ausdruck ist verarmt”. Ein Großteil der heutigen abstrakten Malerei, die sich selbst als abstrakt bezeichnet, ist lediglich das Ergebnis von Schemata, denen es an existenzieller Dichte, d. h. an Inhalt, fehlt.
Es reicht nicht aus, eine Leinwand mit Farbe zu füllen, um ein abstraktes Kunstwerk zu schaffen.
Es reicht nicht aus, eine Leinwand mit beliebigen Formen und Farben zu füllen, um eine abstrakte Vision der Realität zu erzeugen, genauso wenig wie eine Aneinanderreihung von Wörtern oder Noten ausreicht, um einen literarischen oder musikalischen Text zu schaffen.
Die Schönheit bestimmter Farbkombinationen, die Richtigkeit bestimmter Formspiele kann nicht gelehrt, nicht gelernt und noch weniger in Worten erklärt werden. Es gibt sie oder es gibt sie nicht; man kann sie erkennen oder nicht. Die Farbe hat eine eigene Ausdruckskraft, die man wie die Noten einer musikalischen Komposition zu kalibrieren wissen muss.
So wie man in der verbalen Sprache mit denselben Wörtern Unsinn sagen oder schöne, bedeutungsvolle Sätze formulieren kann, so ist es auch mit der Sprache der Formen und Farben. Das Vokabular ist das gleiche, aber der Unterschied zwischen einem Bild mit voller Bedeutung und einem ohne Bedeutung ist der Gebrauch, den man von diesem Vokabular zu machen weiß. In Ermangelung eines bestimmten Kanons sind wir heute von Volksstämmen von Analphabeten umgegeben, die uns weismachen wollen, dass sie wissen, wie man Gedichte schreibt.
Abstrahieren heißt, die unendlichen Dimensionen des Seienden in die zwei Dimensionen der Bildfläche zu übertragen.
Es gab schon immer nur wenige, die zu solchen Operationen fähig waren, so wie es auch nur wenige gibt, die ein Kunstwerk von einem einfachen Artefakt zu unterscheiden wissen; Fähigkeiten, die nicht unbedingt mit dem abgeschlossenen Studium zusammenhängen. Ich kenne Menschen, die in dieser Hinsicht ein angeborenes Talent haben, und andere, die mit akademischen Qualifikationen ausgestattet sind, die aber sehen, ohne zu sehen.
Die Abstraktion ist nicht nur einer von vielen Stilen, wie man in Nordamerika oberflächlich betrachtet meint. Angesichts einer so komplexen Realität wie der heutigen ist die Abstraktion unverzichtbar, um die Substanz der Dinge zu erfassen; das Leben in all seiner unvorhersehbaren Schönheit und Tragik darstellen, das Sein im Werden festhalten, das Universelle im Besonderen hervorrufen. Alles Dinge, die sich nicht so leicht verkaufen lassen, vor allem nicht auf der anderen Seite des Atlantischer Ozeans.
Ich glaube, dass es eine Beziehung zwischen dem sozialen Leben einer Gemeinschaft und dem plastischen Raum gibt, mit dem sie sich identifiziert. Es ist kein Zufall, dass der Nazismus und der Stalinismus die abstrakte Kunst heftig behindert haben. Bestimmte kulturelle Regime, Ausläufer einer stumpfen Wirtschafts- und Finanzmacht, beschränken sich heute – demokratischer” – darauf, die tiefgreifende revolutionäre Ladung einer echten abstrakten Vision der Realität zu ignorieren.
In den zeitgenössischen Kunstkreisen ist es heute schwierig, Bilder zu finden, die diesen Namen verdienen: überzeugende Form- und Farbkompositionen, die das Auge erfreuen und glaubwürdige und substanzielle Inhalte zu vermitteln vermögen. Bice Lazzari, Ermanno Leinardi, Giovanni Dore, Giovanni Carta… Haben Sie schon einmal eines ihrer Werke in einem Museum für zeitgenössische Kunst ausgestellt gesehen?