Kunst wird nicht in Museen oder durch die Hände von Kunstkritikern und Event-Kuratoren geboren.
Museen beherbergen Kunstwerke, sind aber nicht an ihrer Entstehung beteiligt, die in kleinen und weit weniger opulenten Räumen stattfindet. Piet Mondrian machte die größte Revolution, indem er in kleinen, bescheidenen Wohnungen malte; sein letztes Atelier in New York war teilweise mit Möbeln aus dem Holz von Obstkisten eingerichtet. Henri Matisse schuf seine Meisterwerke in einem Hotelzimmer. Julius Bissier brauchte nur einen Tisch, um eine Welt der Schönheit zu schaffen.
Es vergeht einige Zeit, bis die Fachwelt die Bedeutung bestimmter Werke zur Kenntnis nimmt, eine Bedeutung, die ihnen bereits von einigen Kennern zugeschrieben wird, die lange vor den offiziellen Verlautbarungen ihre Qualität und Bedeutung erkannt haben. Diese Werke wurden Teil von Privatsammlungen, die oft an Museen verschenkt wurden, die sie aufbewahrten und gegen eine Gebühr einem breiteren Publikum zugänglich machten. Im Laufe der Zeit haben Museen wie das Pariser Beaubourg, die Londoner Tate Modern, das Amsterdamer Stedelijk, das New Yorker Metropolitan und das MoMA einige der wichtigsten Werke des 20. Jahrhundert geerbt.
Zeitgenössische Kunstmuseen hingegen sind Orte, an denen der Öffentlichkeit frische Kunst vom Tag präsentiert wird. Künstler schaffen ihre Werke oft vor Ort, d. h. an den Orten, an denen sie ausgestellt und finanziell gefördert werden. Direktoren, Kritiker und Kuratoren, die früher kaum etwas von der Arbeit innovativer Künstler verstanden, scheinen heute so gut geworden zu sein, dass sie es sogar schaffen, die kommende Kunst im Voraus anzukündigen.
Wann wurde neue Kunst jemals von Zeitgenossen so bereitwillig erkannt und gefeiert?
Vielleicht in Zeiten, in denen der künstlerische Ausdruck auf etablierten Sprachen und einem gemeinsamen Kanon beruhte, aber sicher nicht heute, wo alles auf den Kopf gestellt wurde und Verwirrung darüber herrscht, was als Kunst bezeichnet werden kann. Sollen wir glauben, dass wir in dem Moment, in dem es uns präsentiert wird, vor einem Kunstwerk stehen, nur weil es von Galerien, Händlern, Zeitungen und Fernsehsendern gesponsert wird? Können wir dem Urteilsvermögen und der intellektuellen Redlichkeit dieser Menschen vertrauen? Oder haben wir es nicht mit Wertzuwachs zu tun, die im Voraus nach präzisen kommerziellen Strategien programmiert wurden? Die Geschichte lehrt uns, dass wir nicht weit kommen, wenn es die Kunst ist, die dem Publikum hinterherläuft.
Seit den 1980er Jahren haben wir in den Museen für zeitgenössische Kunst eine Menge unbedeutender und hässlicher Dinge gesehen. Selbst Museen, die Werke von Meistern des 20. Jahrhunderts beherbergen, erweisen sich ihrer Aufgabe nicht immer gewachsen. Um nur ein Beispiel zu nennen: Die “Experten” des Kunstmuseums Den Haag (ehemals Gemeentemuseum) in Den Haag, das wichtige Gemälde des niederländischen Meisters beherbergt, verstehen die wichtigsten Bedeutungen von Piet Mondrians Werk noch immer nicht richtig. Und wenn es ein Künstler ist, der sie mit einer ausführlichen Erklärung darauf hinweist, stellen sie Mauern auf, um ihre Inkompetenz nicht zugeben zu müssen. Siehe Details
Die derzeitigen Kuratoren des MoMA in New York City sind der Meinung, dass Mondrians Meisterwerk Broadway Boogie Woogie das Raster der senkrecht verlaufenden Straßen Manhattans und die Lichter der Broadway-Theater andeutet. Als hätte sich der Künstler nach einem Leben, das er mit der Feinabstimmung einer universellen Vision von Natur und menschlicher Existenz verbracht hat, plötzlich dem Malen eines Stadtplans zugewandt.
Mondrian verkaufte das Gemälde für sechshundert Dollar an eine Privatperson, die es dann dem MoMA schenkte. Sechshundert Dollar im Jahr 1943 entsprechen heute wahrscheinlich sechs- oder zehntausend Dollar. Ein Hungerlohn im Vergleich zu dem Geld, das durch die Eintrittsgelder, die die Öffentlichkeit in den letzten achtzig Jahren an das Museum gezahlt hat, um das Gemälde zu sehen, eingenommen wurde. Ganz zu schweigen von dem immensen Wert des Werks selbst.
Intelligenz und ein Sinn für Ethik würden es begrüßen, wenn zumindest ein Teil dieser Gewinne zur Unterstützung von Bildungsaktivitäten verwendet würde, die darauf abzielen, die authentischen Bedeutungen dieses Gemäldes zu erklären. Ich schlug eine Lesung vor – www.piet-mondrian.eu -, aber man sträubte sich dagegen. Wie kann es ein Künstler wagen, mehr zu wissen als wir, die wir das Werk besitzen? Ihnen gehört das Objekt, mir gehört seine Bedeutung, und das Publikum kann natürlich warten…
Ein weiteres entwaffnendes und fast pathetisches Beispiel ist das MAXXI (Museum für die Künste des 21. Jahrhunderts) in Rom. Zur Eröffnung des neuen Museums kuratierte Prof. Oliva eine Ausstellung eines gewissen De Dominicis, die wie eine Beerdigung aussah. Oliva ist stolz darauf, andernorts eine Ausstellung von Giorgio De Chirico organisiert zu haben, einem Maler, der eine kurzsichtige und reaktionäre Position im Kunstpanorama des 20. Jahrhunderts vertrat.
Bei einem Treffen, das mir Alain Elkann 2003 mit Paolo Colombo, dem damaligen Direktor des im Entstehen begriffenen MAXXI, vorschlug, sagte er mir, dass sie die “repräsentative Kunst”, d. h. die figurative Kunst, bevorzugten. Für Herrn Colombo stellt die abstrakte Kunst offensichtlich nichts dar. Das sind die Leute, die uns ins 21. Jahrhundert führen sollten.
Früher gab es Historiker und Kunstkritiker. Jetzt haben wir Kuratoren von Events.
An die Stelle von Historikern und Kunstkritikern, die früher studierten, in die Tiefe gingen und dann erklärten und die Öffentlichkeit aufklärten, sind Kuratoren getreten, deren Funktion hauptsächlich darin besteht, Veranstaltungen zu organisieren, um die Besucherzahlen in den Museen zu erhöhen und Kataloge zu verkaufen. Studien, Einblicke und angemessene Erklärungen spielen kaum eine Rolle. Während des oben erwähnten Treffens fügte Herr Colombo hinzu, dass “es nicht so wichtig ist, dass die Öffentlichkeit es versteht”. Und das sind Leute, die mit öffentlichen Geldern bezahlt werden.
Seitdem Kunstausstellungen zu einem lukrativen Geschäft geworden sind, ist die Figur des Kurators, der sensationelle Veranstaltungen auf die Beine stellt, um Massen von Konsumenten anzulocken, sympathischer als die Figur der Historiker und Kritiker, die lange und anspruchsvolle Dissertationen schreiben, die sich schlecht verkaufen. Der Kurator muss kein gebildeter Mensch sein; es reicht aus, einen Kurs für angehende Kuratoren zu besuchen, der von einigen Museen für zeitgenössische Kunst angeboten wird.
Es wäre gar nicht so schlecht, wenn solche Museen neben dem Hype und dem Profit auch Ideen, Schönheit und Harmonie hervorbringen würden. Majakowsky sagte, es sei notwendig, die Massen zur Kunst zu erheben. Heute tun wir das Gegenteil, indem wir das Niveau des kulturellen Angebots absenken, um das Publikum nicht zu verlieren. Und um den oft unbedeutenden Dingen eine Aura des Geheimnisvollen zu verleihen, bevorzugen die Förderer der zeitgenössischen Kunst verworrene und unverständliche Dinge, die beim Publikum Verwirrung stiften. Wenn die Kunst, die wirkliche Kunst, die Kunst der Cézannes, Picassos, Brancusi und Malewitch damals nicht verstanden wurde, dann ist die Tatsache, dass die zeitgenössische Kunst oft auch nicht verstanden wird, eine Garantie für Qualität und Authentizität… Nicht war?
Das Niveau des kulturellen Angebots wird gesenkt, um die Zahl der zahlenden Zuschauer zu erhöhen.
Hier setzt ein weiterer Strang der Gegenwartskunst an, der aus einer als Neuheit ausgegebenen Wiederaufnahme der Vergangenheit besteht: Neorealismus, Neoklassizismus, Postmoderne. Neo, trans und post bedeuten im Grunde die Unfähigkeit, der heutigen Realität eine neue plastische Form zu geben.
Ich erinnere mich an eine Konferenz im Palazzo Taverna in Rom Mitte der 1970er Jahre. Unter den Anwesenden befand sich auch der zukünftige Professor Oliva, der sich nach den schlechten Ergebnissen, die er als Konzeptkünstler erzielt hatte, auf die Erlösung vorbereitete, die seiner Meinung nach darin bestand, die Handlichkeit der Malerei wiederzugewinnen. Wie ich bereits auf der vorigen Seite erwähnt habe, war dies ein ganz eigenes Problem, denn wir hatten die Malerei, die gute Malerei, keineswegs vergessen.
Nachdem er geschäftliche Synergien mit einigen nordamerikanischen Galerien aufgebaut hatte, erklärte er während der besagten Konferenz, dass “Amerika Karl Marx importiert und Charlie Marx exportiert”, wobei “Karl Marx” für Olivas “revolutionäre” Vorschläge und “Charlie Marx” für den begehrten Erfolg in den USA steht. Eine ziemlich pathetische Art und Weise, die Gier nach Ruhm und Geld mit dem damals pflichtbewussten Gehorsam gegenüber dem Marxismus zu verbinden.
Ästhetik und Ethik.
“Das Gewissen des Künstlers ist ein reiner und treuer Spiegel, in dem er jeden Tag, sobald er aufsteht, sein Werk reflektieren können muss, ohne Angst zu erröten. Die ständige Verantwortung des Schöpfers gegenüber sich selbst und der Welt ist kein leeres Wort: Indem er dem Universum hilft, sich selbst zu erschaffen, bewahrt der Künstler seine persönliche Würde” (Henri Matisse)
Im Frühjahr 1925 beauftragte der niederländische Kunstkritiker Paul Sanders seinen Bruder, ein Werk von Piet Mondrian zu kaufen. Der holländische Meister hält die erhaltene Summe für zu hoch und gibt ihm zwei Werke. Wir sind Lichtjahre von den als Künstler getarnten Betrügern von heute entfernt, die sich nicht mit exorbitanten Summen für unbedeutende Dinge zufrieden geben.
Diejenigen, die nur arbeiten, um Ruhm und Geld zu erlangen, können nicht warten, aber ein wahrer Künstler arbeitet nur, um einem inneren Diktat zu gehorchen; was auch immer es kostet und wohin dieser Weg ihn auch führen mag. Ein Künstler glaubt an seinen Weg und schert sich nicht um das Urteil der anderen. Als junger, unbekannter Künstler sagte Matisse: “Wenn Cézanne Recht hat, werde auch ich Recht haben”.
Die Zeit hat ihm Recht gegeben. Die Zeit wird uns Recht geben.
“Die Kunst ist das, was die Welt werden wird, nicht das, was die Welt ist.” (Karl Kraus),